Ce bilan des Oscars va plus loin qu’il n’y parait, il pose la question de la vigueur ou non de la fiction et sur quelles bases survit l’usine impérialiste à rêve américain qu’est Hollywood? Est-ce qu’il existe encore dans la culture américaine, dans ses luttes au temps de la montée de l’intelligence artificielle une lueur d’espoir qui tient à la reconnaissance de “l’étrangeté” vers “le réalisme” ? Notez que cette analyse d’un critique qui est le plus francophile qui se puisse imaginer met en garde, comme nous le faisons le cinéma et le monde de la culture français, il dénonce le choix de l’épuisement, de l’étroitesse des petits notables et du nombrilisme narcissique, ces fausses rebellions et vrais conformismes qui finissent dans l’escarcelle d’une Rachida Dati à la conquête de Paris, comme il y eut chez Zola la conquête de Plassans. Ce n’est pas une issue, et comme par hasard celles qui en font les frais ce sont “les autrices” féminines qui ont le courage de sortir des sentiers battus. Il n’y a pas d’autre solution en fait que d’être “élitaire pour tous”, de refuser le “populaire” au nom d’une véritable culture populaire, de l’engagement des créateurs, interprètes dans une nouvelle exigence de démocratisation de la culture, être attentif partout à ce qui demande à naitre, comprendre la crise du puritanisme et de l’impérialisme grâce à la Lettre écarlate mais refuser les sous-produits des servantes écarlates pour dévoyer nos exigences. C’est le choix de ce blog (note et traduction de Danielle Bleitrach pour histoire et société)
Lily Gladstone, Robert De Niro et Leonardo Di Caprio, dans « Killers of the Flower Moon » de Martin Scorsese. Photo reproduite avec l’aimable autorisation d’Apple TV+
Si les Oscars sont censés afficher l’image idéale que l’industrie cinématographique a d’elle-même, le choix de « Killers of the Flower Moon » et « Barbie » parmi les meilleurs films de l’année est la preuve que l’esprit d’audace artistique a survécu à l’ère de la domination super-héroïque. Ces deux films figurent également en bonne place sur ma liste de favoris, et même la plupart des nominés pour le meilleur film que je trouve moins accomplis sont néanmoins peu orthodoxes, du moins en surface : il y a le volume de complexités historiques dans « Oppenheimer », le mélange de parures victoriennes et de grotesques steampunk dans « Poor Things », ou même les ironies macabres timides de « The Zone of Interest ». Les films, même lorsque leur monde émotionnel reste sentimental ou programmatique, deviennent de plus en plus étranges, et l’Académie, avec ses membres récemment élargis, embrasse au moins l’étrangeté – du moins, en partie.
Les causes sont liées à un changement à long terme dans la nature du visionnage de films – en grande partie, la diminution de la suspension de l’incrédulité. La grande quantité d’informations sur la façon dont les films sont réalisés, la prolifération d’interviews sur le processus et peut-être le volume d’images animées dans la vie quotidienne ont rendu les nouvelles générations de spectateurs sceptiques à l’égard de la fiction. (L’extrême popularité des super-héros et autres personnages fantastiques coïncide avec ce scepticisme à l’égard de la fiction réaliste et l’amplifie.) Notez combien de nominés de cette année portent sur la création de fictions, telles que « American Fiction », « Killers of the Flower Moon », « Barbie », « Past Lives » et « Anatomie d’une chute ». (Et parmi les films les plus ingénieux de l’année sur ce sujet, il y a « The Wonderful Story of Henry Sugar » de Wes Anderson, nominé pour le meilleur court métrage en prises de vues réelles.)
Les effets sont cependant aussi étranges que les films. Si, il y a vingt-cinq ans, le monde du cinéma se noyait dans le réalisme, aujourd’hui il n’est plus guère respecté (en dehors du domaine sentimental). Le succès de « The Holdovers », aussi réaliste qu’il puisse paraître, tient autant à son ton qu’à sa substance : non seulement il se déroule en 1970, mais il est calculé pour donner l’impression d’un film qui aurait pu être réalisé à l’époque. (Malgré toute sa franchise émotionnelle, le film entier pourrait tout aussi bien être entre guillemets.) Pourtant, bon nombre des meilleurs films qui se font reposent sur un réalisme tendu et rigoureux pour atteindre des objectifs symboliques ; ils sont largement laissés pour compte, cette année (des films tels que « Passages », « Showing Up » et « All Dirt Roads Taste of Salt ») comme l’année dernière (« Armageddon Time »). « Killers of the Flower Moon » est une exception – Martin Scorsese a toujours été un artiste exemplaire d’un réalisme auto-transcendant et symboliquement riche, et son statut de maître de l’art, enfin reconnu par l’Académie avec son Oscar pour « Les Infiltrés », le place dans une catégorie à part.
Malgré tout le spectacle, les Oscars restent résolument sérieux, comme si les sujets sérieux pouvaient en quelque sorte confirmer la valeur sociale de l’industrie. L’histoire aide toujours. Il en va de même pour les héros artistiques. Le biopic est, pour les personnes sérieuses, l’équivalent du film de super-héros – une histoire basée sur la personnalité préprogrammée avec ses histoires de vertu et de tragédie. Pourtant, je perçois aussi quelque chose comme un retour de bâton, une sorte d’épuisement politique, dans la liste de cette année : pour le dire crûment, la domination des films historiques implique la lutte de vieilles batailles déjà résolues, du moins en principe. (Je m’attendais à ce que beaucoup plus d’attention soit accordée à « Origin », à la fois par les critiques et par l’Académie, mais le fait que cela n’ait pas été peut attester de la puissance troublante du film : ses comptes véridiques avec l’histoire et avec les injustices actuelles qui ont secoué à la fois l’industrie et la nation sont peut-être trop proches pour être réconfortants.) Les biopics offrent également une chance fiable aux Oscars pour les acteurs. L’incarnation d’un personnage historique est calculable d’une manière que le jeu de personnages entièrement fictifs ne l’est pas : il y a une norme de pré-fiction, un document historique qui peut être consulté, même des images d’archives qui peuvent être visionnées, et les performances qui en résultent offrent une sorte de virtuosité qui semble également refléter le sérieux de l’objectif. (La performance d’Emma Stone dans « Poor Things » fait preuve d’une virtuosité similaire : les jeux de langage du rôle rendent sa réussite plus évidente que si son personnage parlait un anglais ordinaire.) Il est difficile de voir une autre raison que la préférence pour la vertu sérieuse pour l’absence de nomination de Margot Robbie pour son rôle dans « Barbie ».
Il en va de même, bien sûr, pour Greta Gerwig qui n’a pas été nominée pour le réaliser. De nombreux critiques, et apparemment beaucoup dans l’industrie, ne peuvent pas voir au-delà de ses surfaces stylisées pour voir ses idées substantielles. Bien que je sois ravi de voir « Barbie » reconnu dans de nombreuses catégories (y compris pour son scénario et ses performances de soutien), il est fâcheux que les deux personnes principalement responsables de son essence – dans le fond et dans le style – aient été laissées de côté. C’est en partie parce que, comme d’habitude, la comédie n’est pas respectée. (Bien que j’admire la performance d’America Ferrera dans « Barbie », elle donne vie à un rôle essentiellement non comique.) Et cela me fait de la peine de constater que la branche des réalisateurs de l’Académie, qui (comme toutes les autres branches) choisit les nominés dans sa catégorie, n’a aucun sens du style. Ils ont une sorte de sens de la stylisation – « Poor Things » de Yorgos Lanthimos est une profusion d’artifices théâtraux, bien qu’il n’y ait guère d’image originale – mais il n’y a pas non plus de reconnaissance de « Asteroid City » d’Anderson ou de « Ferrari » de Michael Mann.
Je suis fasciné par la coalescence de l’opinion critique et des nominations aux Oscars. Peut-être à cause des médias sociaux, les gens qui travaillent dans l’entreprise, ici et à l’étranger – oui, l’Académie est en effet internationale – semblent de plus en plus sensibles à ce que disent les critiques. C’est pourquoi la France – ou du moins, la commission officielle qui choisit la candidature du pays pour le meilleur long métrage international – doit se donner un coup de pied. J’avais à peu près pris pour acquis que le choix se porterait sur « Anatomie d’une chute », le conte piquant de Justine Triet sur le mystère juridique et les conflits conjugaux, qui a été largement acclamé et a remporté le premier prix au Festival de Cannes de l’année dernière. Au lieu de cela, la France a choisi « Le goût des choses », un film beaucoup plus sentimental. En conséquence, « Anatomy », qui aurait probablement pu être le gagnant présumé de la catégorie Film international, a cinq nominations et, je parie, il est peu probable qu’il convertisse l’une d’entre elles en victoire, tandis que « The Taste of Things » n’a même pas été nominé. Non pas que les films internationaux, comme je le mentionne ci-dessous, aient connu une année particulièrement exceptionnelle. Il n’en reste pas moins que ce fut une grande année pour le cinéma en général – du moins, si l’on en juge par la réussite artistique que représentent les meilleurs d’entre eux – et la présence parmi les nominés de plusieurs des meilleurs films de l’année sur la liste des Oscars est un régal bien trop rare.
MEILLEUR FILM
« Tueurs de la lune des fleurs »« Cité des astéroïdes »« Barbie »« Se présenter »« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »« Passages »« Maman de la Terre »« Mille et un »« Flipper : l’homme qui a sauvé le jeu »« Ferrari »
Sur la base de l’inventivité et de la perspicacité d’un instant à l’autre, « Asteroid City » est difficile à battre, quelle que soit l’année, par n’importe qui. Mais « Killers of the Flower Moon » s’attaque à un sujet aux enjeux beaucoup plus élevés et y ajoute un défi de portée beaucoup plus grand. Le compositeur Morton Feldman a dit, à propos des compositions musicales : « Jusqu’à une heure, vous pensez à la forme, mais, après une heure et demie, c’est l’échelle », et, si vous changez ces chiffres à deux heures et deux heures et demie, respectivement, il en va de même pour les films. Scorsese, qui n’a jamais été minimaliste, est entré dans deux catégories inhabituelles à la fois avec « The Irishman » et maintenant avec « Killers » : les films sont foisonnants, voire écrasants, tant dans l’action et le fond que dans la durée, mais ce sont aussi des « films tardifs » austères et dépouillés, affichant la clarté brusque d’un cinéaste de longue date. Il va droit à l’essence de ses histoires complexes et d’une grande portée. Son réalisme apparemment transparent résonne avec les secrets et les mystères qui le composent. (Les deux films s’appuient sur le même trope classique, le silence d’une femme profondément attachée à ses principes – ils sont centrés sur les deux grandes Cordelias du cinéma récent.) Pourtant, à la fin de « Killers », Scorsese s’appuie sur un brillant tour de passe-passe dramatique pour exprimer ses regrets pour le peu qu’il a pu faire, et cela jette l’ensemble du film à la lumière de tout ce qu’il reste à faire, maintenant et dans les générations à venir. C’est un film historique qui pointe vers l’avenir de l’art.
Les meilleurs films de l’année écoulée ont fait preuve d’une ingéniosité exceptionnellement audacieuse, voire téméraire, et ont laissé loin derrière eux les styles et les méthodes conventionnels. Ce qui est encore plus remarquable, c’est que certains films à gros budget produits par de grandes sociétés ont été ceux qui ont poussé le plus loin les limites. Pourtant, comme cela a souvent été le cas ces dernières années, la liste des meilleurs films de 2023 comprend de nombreuses productions indépendantes à petit budget. Bien que l’Académie n’ait pas vraiment snobé ce genre de film ces dernières années – pensez à « Moonlight » et « Nomadland » – ses membres ont néanmoins été timides dans leur reconnaissance de ces films. Et cette année n’est pas différente : un seul de ces films, « Past Lives » (peut-être dans le haut de gamme du cinéma à petit budget), figure parmi les nominés pour le meilleur film.
MEILLEUR RÉALISATEUR
Wes Anderson (« La ville des astéroïdes »)Greta Gerwig (« Barbie »)Martin Scorsese (« Les tueurs de la lune des fleurs »)Kelly Reichardt (« Se montrer »)Raven Jackson (« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »)
D’une certaine manière, le meilleur film de l’année est par définition le mieux réalisé, car, contrairement au mythe perpétué par l’artifice du générique, la mise en scène n’est pas séparée de l’écriture du scénario – ni, d’ailleurs, du jeu des acteurs, du montage, de la cinématographie, de la conception de la production, etc. (Ce n’est pas une coïncidence si beaucoup d’artistes nominés pour des prix sont dans des films pour lesquels les réalisateurs ont également été nominés.) Séparer les films de la réalisation est un artifice qui revient à offrir des prix littéraires distincts pour le meilleur roman et le meilleur écrivain – pourtant, dit de cette façon, la logique de l’artifice commence à se révéler. Les Oscars tiennent un prisme aux faisceaux de lumière projetés par les films et les divisent en composants discrets, la direction étant implicitement définie comme ce qui est fait pour transformer un scénario en film. La création à l’écran d’événements extraordinaires par Wes Anderson – la rapidité kaléidoscopique avec laquelle les nuances s’écrasent sur les nuances dans des motifs complexes qui sont ensuite complètement reconfigurés avec des changements de ton et des sauts dans l’action – n’a d’égal que la liberté imaginative de ses images, la précision gravée des performances et les domaines de conception physique qui ressemblent à des expositions de musée instantanées. La capacité d’Anderson à mettre en lumière des mondes à l’imagination complexe se rapproche des créations complètes de grands réalisateurs de films muets tels qu’Erich von Stroheim et F. W. Murnau, et de modernes raréfiés tels que Max Ophüls et Luchino Visconti. Nous nous en voudrons collectivement – ou, plutôt, l’histoire nous en voudra – d’avoir traité l’art d’Anderson comme une pièce de monnaie ordinaire.
Cette année, une autre réalisatrice, Greta Gerwig, offre une vision cinématographique grandiose stylisée et méticuleusement détaillée pour rivaliser avec celle d’Anderson, avec un ton, une manière et des idées qui lui sont propres. Mais il existe aussi d’autres formes de distinction entre les réalisateurs ; tous les films sont aussi essentiellement des documentaires, et Raven Jackson et Kelly Reichardt montrent à quel point l’imagination et l’originalité peuvent émerger de la représentation apparemment réaliste d’événements ordinairement visibles, les images de « All Dirt Roads » atteignant la portée du mythe, celles de « Showing Up » s’enfonçant passionnément dans la psyché d’un artiste.
MEILLEURE ACTRICE
Lily Gladstone (« Les tueurs de la lune des fleurs »)Margot Robbie (« Barbie »)Teyana Taylor (« Mille et un »)Michelle Williams (« Se montrer »)Charleen McClure (« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »)
La virtuosité et l’étendue, ainsi que les nombreuses facettes de la comédie (verbale et physique, subtile et excentrique), que Margot Robbie projette dans « Barbie » sont uniques – et d’autant plus remarquables dans l’environnement actuel et rabougri de la comédie cinématographique. (Elle a également joué dans l’une des rares grandes comédies récentes, « Le Loup de Wall Street ».) Mais Lily Gladstone fait plus avec la réflexion, dans « Killers of the Flower Moon », que la plupart des acteurs n’en font jamais avec une action flagrante et spectaculaire ; sa présence remplit l’écran de ce que l’on considérait autrefois comme le pouvoir des stars (avant que les prouesses principalement techniques d’acteurs formés au conservatoire ne deviennent une marque de dignité hollywoodienne). Le rôle qu’elle joue est d’une complexité tragique. Une théâtralité flagrante aurait vicié sa grandeur. La retenue tendue qui est inscrite dans le personnage converge avec celle de la performance de Gladstone.
Les prix ne sont que de vagues approximations de l’expérience complète de regarder et de réfléchir à des films – par exemple, comment gérer la notion de distribution d’ensemble dans une liste de prix qui n’a pas cette catégorie. (Il devrait au moins y avoir un prix pour le meilleur casting.) Dans « All Dirt Roads Taste of Salt » – qui s’étend sur plus d’un demi-siècle dans la vie de son personnage principal et met en scène quatre acteurs différents pour l’incarner à différents âges – il y a deux actrices principales et deux acteurs principaux. Charleen McClure, qui joue le rôle du protagoniste dans la fleur de l’âge, livre le meilleur monologue de l’année, dans une scène de six minutes sur laquelle le film pivote – et, dans un film aussi dramatique dans le silence que dans la parole, elle est également très expressive avec des postures, des gestes et des regards. Ne serait-ce que décrire le rôle prépondérant qu’occupe Teyana Taylor dans « Mille et un », c’est dévoiler de précieux détails sur son mélodrame d’amour maternel. Qu’il suffise de dire que Taylor rend les passions entremêlées de la famille et du secret, d’une vie stable et d’une vie en fuite, avec une fureur inspirée et terrifiante. Dans « Showing Up », le dévouement tranquille et sinistre d’une sculptrice à petit budget – une grande artiste à petite échelle avec un travail de jour frustrant et des problèmes avec sa famille, ses amis et son concurrent frénétique – à son travail est férocement et rayonnamment dynamisé par Michelle Williams.
MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND RÔLE
Danielle Brooks (« La Couleur pourpre »)Crystal Reed (« Flipper : L’homme qui a sauvé le jeu »)Julianne Moore (« Mai Décembre »)Penélope Cruz (« Ferrari »)Sigourney Weaver (« Maître jardinier »)PUBLICITÉ
Il existe de nombreuses façons pour le jeu réfléchi de se manifester, y compris dans le genre d’énergie explosive que Danielle Brooks affiche dans « La couleur pourpre ». Son chant, sa fanfaronnade, ses fanfaronnades décomplexées sont inséparables de l’agonie silencieuse qu’elle exprime à l’égard d’un monde qui a trouvé des moyens de plus en plus cruels de réprimer les femmes noires provocantes et qui, à bien des égards, le fait encore. Sa performance, chargée d’histoire, vit aussi intensément l’instant présent.
Voici le truc à propos de la performance de Crystal Reed dans « Pinball » : elle n’est apparue dans aucun autre film de premier plan. Il reste à voir si elle a l’éventail des autres nominés plus expérimentés. Mais l’histoire du cinéma prouve que les bons réalisateurs découvrent, cultivent et mettent en valeur l’art des acteurs négligés par d’autres cinéastes. Pourtant, guider des acteurs trop peu connus à travers des performances saisissantes n’est pas la même chose que découvrir des stars. Parfois, un acteur n’est qu’une star pour la durée d’un film particulier. J’espère que Reed aura l’occasion de développer ce travail dans de nombreux rôles importants à venir, mais il y a quelque chose à dire sur le pouvoir charismatique qui émane des stars établies, et, dans leurs films de cette année, Penélope Cruz, Julianne Moore et Sigourney Weaver déploient toutes ce pouvoir habilement et vigoureusement pour créer des personnages qui l’ont eux-mêmes et l’affichent.
MEILLEUR ACTEUR
Franz Rogowski (« Passages »)Jason Schwartzman (« La ville des astéroïdes »)Zac Efron (« La Griffe de fer »)Adam Driver (« Ferrari »)Mike Faist (« Flipper »)
La fureur au centre de « Passages » est déchaînée avec grâce, légèreté, par Franz Rogowski, dans le rôle d’un réalisateur dont la détermination est aussi implacable que sa personnalité est compliquée, et dont les bouleversements émotionnels et pratiques n’en sont pas moins libérateurs. Jason Schwartzman est le Jean-Pierre Léaud de cette époque, à la fois contribuant à créer une nouvelle vague de films et la symbolisant. Son art est particulièrement exploité par les cinéastes qui partagent sa sensibilité approfondie, qui, plutôt que de simplement greffer sa manière singulière sur leurs films, le défient en fait avec de nouvelles idées. Dans « Pinball », Mike Faist – qui a été salué pour une performance théâtrale dans « West Side Story » – habite subtilement et chaleureusement le protagoniste interrogateur du film ; Il dote le rôle d’un écrivain obsédé par le flipper dans les années 1970 d’une candeur ironique et d’une énergie rebondissante qui correspondent au sens de l’émerveillement de l’histoire réelle. Adam Driver et Zac Efron portent tous deux le poids de féroces concurrents, bien qu’ils se situent aux antipodes du spectre culturel. Driver incarne l’élégante détermination d’Enzo Ferrari à établir une dynastie de course automobile et à maintenir son entreprise à flot, et Efron prête puissance et douleur à la poursuite musclée de Kevin Von Erich d’un championnat de lutte professionnelle et à sa tentative de protéger ses frères et lui-même de leur père dominateur.
MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND RÔLE
Ryan Gosling (« Barbie »)Jake Ryan (« La ville des astéroïdes »)William Catlett (« Mille et un »)Hinata Hiiragi (« Monstre »)Ben Kingsley (« Dalíland »)
Le talent de Ryan Gosling n’a jamais été mis en doute, mais sa gamme m’a longtemps semblé limitée par un sérieux surchauffé que, dans « Barbie », Gerwig convertit en éclat comique. Il s’agit d’une performance ludique et décomplexée dans laquelle Gosling semble se délecter de l’exubérance du film et de ses propres pouvoirs jusque-là inexploités. Jake Ryan, qui n’a que vingt ans, est depuis longtemps un aimant d’auteur – voir son travail dans « Inside Llewyn Davis » des frères Coen, « Uncut Gems » des frères Safdie et « Eighth Grade » de Bo Burnham – mais sa collaboration avec Wes Anderson est de longue date, remontant à « Moonrise Kingdom », de 2012, et aussi à « Isle of Dogs ».” Cette collaboration est une marque de distinction mutuelle, car les films d’Anderson révèlent une sensibilité particulière à la vie des enfants et des adolescents, ainsi qu’à l’art des jeunes acteurs. En raison de son style distinctif, ses jeunes acteurs ont besoin d’un ensemble particulier de talents et de personnalités – allant de l’agilité verbale à la tendresse – et, dans « Asteroid City », Ryan, jouant un double rôle (comme beaucoup d’acteurs du film, qui offre une narration complexe imbriquée), donne vie à plusieurs des scènes et des moments suprêmes de l’année avec une démonstration de ces qualités. Dans « A Thousand and One », William Catlett délivre une chaleur enveloppante par le biais d’une chaleur étroitement contenue ; Sa performance, celle d’un homme qui se consacre d’abord à contrecœur mais finalement avec amour à un enfant orphelin de père, est aussi chaleureuse que nuancée. Il y a aussi une étrange combinaison de contrastes dans la manière idiosyncrasique et la vulnérabilité étouffée des performances de Hinata Hiiragi, dans le rôle d’une enfant gay victime d’intimidation dans une école japonaise de province, et de Ben Kingsley, dans le rôle du vieux Salvador Dalí cherchant à réaliser une grande dernière exposition à New York.
MEILLEURE PHOTOGRAPHIE
« Cité des astéroïdes »« Barbie »« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »« Se présenter »« Maman de la Terre »
Le prix signifie « meilleures images » et devrait généralement être décerné au meilleur film de l’année. Cette année est différente, parce que l’une des choses qui fait de « Killers » le meilleur film est qu’il est différent des autres films de l’année. Ses images sont certes puissantes, mais son vaste champ conceptuel a une essence métacinématographique, et, pour Scorsese, homme de l’image, ce fait est une sorte d’auto-flagellation ; C’est un film tourmenté avec une forme qui incarne le tourment spirituel. Une image dans « Asteroid City », montrant des personnages tachetés de soleil de midi sous un treillis, est la meilleure de l’année, et, quand je pense à ce film, je me souviens des compositions et des mouvements de caméra, du cadrage et de la tonalité de la lumière comme s’il s’agissait de musique. « Barbie » offre une sensibilité visuelle tout aussi abondante mais précise, plus impétueuse, décomplexée et pleine de surprises. « All Dirt Roads Taste of Salt », « Showing Up » et « Earth Mama » font la même chose de différentes manières : ils utilisent des observations directes, presque documentaires, pour obtenir des résultats radicalement divergents mais toujours lyriques.
MEILLEUR SCÉNARIO ADAPTÉ
« Barbie »ADVERTISEMENT« Origine »« Tueurs de la lune des fleurs »« Ferrari »« Orlando, ma biographie politique »
Peu importe que le scénario de Gerwig et Noah Baumbach pour « Barbie » soit considéré comme original, comme par la Writers Guild, ou adapté, comme par l’Académie ; C’est l’un des meilleurs de l’année dans les deux cas. Chaque année, je me rappelle que les scénarios sont plus que des dialogues, et, bien que les dialogues de « Barbie » soient délicieusement pointus et drôles, le scénario est aussi un modèle extraordinaire de fantaisie extravagante qui est maintenue avec raison et sous-tendue par des idées qui vont bien au-delà de l’histoire en cours dans le domaine du cinéma en général. L’histoire pousse la notion d’adaptation jusqu’à une révision radicale, comme le prouve le fait même du désaccord sur la question de savoir si ce scénario est original ou adapté.
Le scénario de « Killers of the Flower Moon » démontre une idée similaire avec sa reconfiguration drastique du livre de non-fiction de l’écrivain du New Yorker David Grann pour mettre l’accent sur l’histoire de mariage extrapolée et romancée en son centre. Pendant ce temps, dans « Origin », Ava DuVernay fait quelque chose que je n’ai jamais vu auparavant, du moins, pas dans un film proche d’Hollywood : le film est une histoire romancée sur l’écriture d’un livre de non-fiction (c’est l’œuvre adaptée), et l’adaptation à l’écran est un entrelacement de fiction et de non-fiction. Le scénario d'”Origin », comme celui de « Barbie », représente de la même manière un saut conceptuel dans une catégorie en soi. « Orlando : A Political Biography » inverse la méthode d’« Origin » : le philosophe Paul B. Preciado, réalisant son premier film, adapte le roman « Orlando » de Virginia Woolf et, en engageant plus de vingt acteurs trans et non binaires dans le rôle-titre et en intégrant leurs histoires personnelles dans le film ainsi que les détails pratiques du tournage lui-même, élargit l’œuvre de fiction de Woolf pour inclure un documentaire virtuel sur la vie des trans.
MEILLEUR SCÉNARIO ORIGINAL
« Cité des astéroïdes »« Se présenter »« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »« Flipper : l’homme qui a sauvé le jeu »« Mille et un »
Là où la plupart des autres scénarios semblent assemblés avec des outils de charpentier, « Asteroid City » semble avoir été réalisé par des bijoutiers, mais à une échelle similaire – il remplit une grande étendue dramatique avec une quantité énorme et rapide de détails et de micro-événements en filigrane complexe, et il évoque de grandes émotions avec des gestes délicats et obliques. (Une scène d’adolescents prodiges jouant à un jeu de mémoire s’avère être l’une des scènes les plus ardemment romantiques de l’année.) De plus, son imbrication d’histoires dans des histoires, offrant à de nombreux membres de sa distribution un ensemble de rôles multiples et ricochant, est à la fois vertigineusement délicieux et résonnant historiquement. « Pinball », un conte beaucoup plus simple, qui se déroule dans les années 1970 et est basé sur une histoire vraie, offre de la perspicacité et de l’esprit, ainsi qu’une rupture de cadre tout aussi frappante : l’inclusion du protagoniste de la vie réelle (comique, joué par un acteur) en tant que personnage qui s’immisce dans l’action pour la commenter au fur et à mesure qu’elle se déroule. « All Dirt Roads » est un film plus ouvertement complexe, enfilant un demi-siècle d’histoire avec un entrelacement complexe du temps qui produit une unité gracieuse et passionnée.
MEILLEUR MONTAGE
« Tueurs de la lune des fleurs »« Cité des astéroïdes »« Barbie »« Tous les chemins de terre ont le goût du sel »« Ferrari »
Ce qui caractérise un bon montage, c’est un sentiment de nécessité dramatique qui communique également la liberté de l’imagination – qu’il doit en être ainsi parce qu’il semblait juste de le faire. Bien que le film de Scorsese suive la flèche du temps, il le fait dans un voyage étonnamment sinueux et digressif, sautant dans le temps comme si l’histoire était racontée, hors champ, par un barde envoûtant, habile mais sombre. (C’est ce que « Oppenheimer » essaie de faire et fait avec un bruit sourd.) Dans « Ferrari », le rythme est plus important que la vitesse – le bon mouvement au bon moment – de sorte que, quel que soit le tempo, le film donne le sentiment que chaque moment est critique et exige une action décisive.
MEILLEUR LONG MÉTRAGE DOCUMENTAIRE
« Menus-Plaisirs—Les Troisgros »« Orlando, ma biographie politique »« Notre corps »« Quatre filles »« La disparition de Shere Hite »
Le nonagénaire Frederick Wiseman, qui n’a qu’un caméraman, un preneur de son, un assistant et un sens télépathique de ce qui fait tourner les choses, a une vision à long terme du célèbre restaurant de la famille Troisgros dans la France rurale. Il révèle que ce temple luxueux de la haute cuisine est un puissant édifice de connaissances et de culture, avec des racines profondes dans la tradition et le terrain qui sous-tendent ses plaisirs. La concurrence est forte, cependant, et bon nombre des meilleurs documentaires de cette année sont ceux qui importent des techniques de fiction dans leurs reconstitutions non fictionnelles. C’est ce que fait Preciado dans « Orlando », qui, bien qu’il s’agisse également d’un film scénarisé, est un documentaire sur le processus par lequel son casting d’acteurs trans et non binaires endosse le rôle du personnage éponyme de Virginia Woolf et sur la vie réelle de ces acteurs. Kaouther Ben Hania fait quelque chose de similaire dans « Quatre filles », l’histoire d’une mère célibataire tunisienne nommée Olfa, dont deux des quatre filles ont quitté la maison à l’adolescence pour rejoindre l’ei ; Parce que ces deux filles sont toujours absentes de la famille, deux actrices professionnelles sont intégrées dans la famille pour les jouer. « Our Body » est, pour l’essentiel, un documentaire d’observation, se déroulant dans un hôpital pour femmes à Paris, où la réalisatrice, Claire Simon, mêle une attention empathique aux patients avec une curiosité exigeante pour la science et la pratique médicales, puis devient elle-même une patiente. « The Disappearance of Shere Hite », réalisé par Nicole Newnham, est un documentaire plus conventionnel basé sur la recherche, mais exceptionnellement engageant et instructif. Il combine des documents d’archives et des entretiens récents pour créer le portrait d’une militante féministe et écrivaine cruciale – dont les enquêtes, dans les années 1970, sur la vie sexuelle des femmes ont entraîné à la fois une révolution des attitudes et une réaction antiféministe véhémente, avec des résultats dévastateurs (voir le titre) qui transforment la réflexion historique en un mystère réel.
MEILLEUR FILM INTERNATIONAL
« Passages »ADVERTISEMENT« Petite Solange »« Marche vers le haut »« Bâtiment blanc »« Temps plein »
2023 n’a pas été une bonne année pour les films internationaux – du moins, pas pour ceux qui sont sortis en salles aux États-Unis – mais ce fait est aussi dénué de sens que la notion d’année dans les films, qui dépend fortement des aléas des dates d’achèvement et des calendriers de sortie ; La taille de l’échantillon est trop étroite et artificielle pour qu’on puisse en tirer des conclusions plus larges. Fait remarquable, le meilleur film international de l’année, « Passages », est drastiquement international, réalisé à Paris par un réalisateur américain, avec un acteur principal allemand et des acteurs britanniques et français dans des rôles secondaires. C’est un film extrêmement libérateur, dont le sujet même est la liberté d’identité, et même, en fait, la liberté d’identité.
« Petite Solange » de la réalisatrice française Axelle Ropert est l’un des films récents les plus délicats et les plus vigoureux sur le passage à l’âge adulte d’un adolescent, et il est rafraîchissant et détaché du trope surutilisé d’un éveil sexuel. C’est l’histoire d’une confrontation avec le divorce et les troubles qui y sont liés. Ropert obtient à la fois une excellente performance principale de la jeune actrice du film (Jade Springer – qui serait numéro six sur ma liste de la meilleure actrice) et lie inextricablement l’apparence du film à la vie intérieure du protagoniste. Le réalisateur sud-coréen Hong Sangsoo, toujours aussi prolifique, a deux nouveaux films à l’affiche aux États-Unis en 2023 ; Dans « Walk Up », sous le couvert modeste d’une réunion de vieux amis dans un immeuble de plusieurs étages à Séoul, il sonde les mystères de l’art, les défis du vieillissement et l’angoisse du chevauchement des domaines personnels et professionnels qui accompagne le cinéma indépendant lui-même. « White Building » mêle également documentaire et drame dans le drame du réalisateur cambodgien Kavich Neang sur la menace de démolition d’un complexe d’appartements réel à Phnom Penh, les efforts d’une famille pour organiser l’opposition et résister à l’expulsion, et l’évaluation par un jeune homme de ses perspectives – ou de leur absence – dans sa ville natale. « Full Time », réalisé par Eric Gravel, est une sorte de film d’action néo-réaliste, dans lequel une mère célibataire et un ancien cadre, qui travaille maintenant dans le personnel d’entretien d’un hôtel parisien, se bat pour trouver un nouvel emploi au milieu de problèmes de garde d’enfants et de transport. Son drame très stressant de ruses élaborées et d’expédients désespérés se mêle à une vision à plusieurs niveaux de la politique française, du niveau de la rue à la bureaucratie nationale. ♦
Richard Brody a commencé à écrire pour The New Yorker en 1999. Il écrit sur les films dans son blog, The Front Row. Il est l’auteur de « Tout est cinéma : la vie professionnelle de Jean-Luc Godard
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